Resultados de la búsqueda

Canals Masats es un fotógrafo altamente intuitivo que se deja sugestionar por la forma más allá de la función. Su fotografía crea falsas realidades, nuevos juegos entre formas y funciones que van, desde el encuentro ingenuo que nos esboza una sonrisa, hasta auténticos laberintos conceptuales que nos sumergen en profundas deliberaciones existenciales (sobre los engaños deseados, consentidos o la propia imposibilidad de engañar). A menudo..., nos trastoca la profundidad del mensaje vital que transmiten sus metáforas contraponiendo significados e imágenes. Como hace, por ejemplo, cuando sobrepone una diana aleatoria sobre las líneas de la vida de un árbol. Canals Masats trabaja sobre una idea pero la fuerza de la propia imagen la engrandece hasta límites insospechados y, como no podría ser de otra manera, deja la última palabra a un espectador que, a su libre interpretación, trastoca los significados inducidos por unas imágenes rotundas y totalmente sugerentes. Se declara firme admirador de Chema Madoz por su simplicidad, claridad y purismo en su trabajo y de Ramón Masats, de quien destaca su rotundidad, ingenio y, sobre todo, la ironía en sus imágenes. Pero él nos aporta con su trabajo un sentido de frescor, naturalidad e intuición, despojados de toda sofisticación.

Peter van Agtmael es conocido por sus imágenes profundamente conmovedoras, a veces surrealistas, que exploran temas de conflicto, historia, memoria, nacionalismo, militarismo, raza y clase. Ha pasado más de diez años cubriendo las guerras de Estados Unidos desde ambos bandos e innumerables ángulos, desde la incorporación a las fuerzas militares en Irak y Afganistán hasta la cobertura del coste civil de las guerras. También ha documentado ampliamente el conflicto entre Israel y Palestina. Van Agtmael nació en Washington DC en 1981. Tenía 20 años y estudiaba historia en Yale cuando se produjo el 11 de septiembre, un acontecimiento que sería fundamental en la configuración de su carrera. Poco después de graduarse, comenzó a documentar los conflictos de Estados Unidos, que siguen siendo el ancla de su trabajo. Además de sus continuos proyectos personales, Van Agtmael ha fotografiado para muchas publicaciones importantes, como The New York Times Magazine, donde ha sido portada en varias ocasiones. Su obra se encuentra en el Centro Internacional de Fotografía, el Museo de Bellas Artes de Houston, la Deutsche Börse, la Fundación de Fotografía y la Galería de Arte de la Universidad de Yale. Ha recibido numerosos premios, como la beca W. Eugene Smith, el premio ICP Infinity para jóvenes fotógrafos, el premio Lumix Freelens, la beca Aaron Siskind, una beca de la Fundación Magnum, así como premios de World Press Photo, American Photography Annual, POYi, The Pulitzer Center, The Center for Documentary Studies at Duke University, FOAM y Photo District News. Van Agtmael se unió a Magnum Photos en 2008 y se convirtió en miembro de pleno derecho en 2013.

Werner Bischof nació en Suiza. Estudió fotografía con Hans Finsler en su Zúrich natal, en la Escuela de Artes y Oficios, y luego abrió un estudio de fotografía y publicidad. En 1942, se convirtió en colaborador de la revista Du, que publicó sus primeros grandes ensayos fotográficos en 1943. Bischof recibió el reconocimiento internacional tras la publicación de su reportaje de 1945 sobre la devastación causada por la Segunda Guerra Mundial. En los años siguientes, Bischof viajó a Italia y Grecia para Swiss Relief, una organización dedicada a la reconstrucción de posguerra. En 1948, fotografió los Juegos Olímpicos de Invierno en San Moritz para la revista LIFE. Tras viajar a Europa del Este, Finlandia, Suecia y Dinamarca, trabajó para Picture Post, The Observer, Illustrated y Epoca. Fue el primer fotógrafo que se unió a Magnum con los miembros fundadores en 1949. A diferencia de la "superficialidad y el sensacionalismo" del negocio de las revistas, dedicó gran parte de su vida laboral a buscar el orden y la tranquilidad en la cultura tradicional, algo que no le hizo gracia a los editores de imágenes que buscaban material de actualidad. No obstante, la revista Life le envió a hacer un reportaje sobre la hambruna en la India (1951), y luego trabajó en Japón, Corea, Hong Kong e Indochina. Las imágenes de estos reportajes se utilizaron en las principales revistas de fotografía de todo el mundo. En el otoño de 1953, Bischof creó una serie de fotografías en color de amplia composición de los Estados Unidos. Al año siguiente viajó por México y Panamá, y luego a una zona remota de Perú, donde se dedicó a rodar una película. Trágicamente, Bischof murió en un accidente de carretera en los Andes el 16 de mayo de 1954, sólo nueve días antes de que el fundador de Magnum, Robert Capa, perdiera la vida en Indochina.

Matt Black es del Valle Central de California, una zona rural y agrícola en el corazón del estado. Se inició en la fotografía trabajando en el periódico de su ciudad. Fue nominado a Magnum Photos en 2015. Desde 2015, ha viajado más de 100.000 millas a través de 46 estados para su proyecto American Geography. Otros trabajos son The Dry Land, sobre el impacto de la sequía en las comunidades agrícolas de California, y The Monster in the Mountains, sobre la desaparición de 43 estudiantes en el sureño estado mexicano de Guerrero. Ambos proyectos, acompañados de cortometrajes, fueron publicados por The New Yorker. Su trabajo ha aparecido regularmente en TIME Magazine, The New Yorker, The California Sunday Magazine y otras publicaciones. Ha sido galardonado en tres ocasiones por el Robert F. Kennedy Memorial Prize, incluyendo su máximo galardón en el ámbito del periodismo. En 2015, recibió el premio W. Eugene Smith Memorial Award for Humanistic Photography, y fue nombrado miembro senior del Emerson Collective. Vive en Exeter, una pequeña ciudad del Valle Central.

Bruno Barbey, nacido en Marruecos, tiene doble nacionalidad, francesa y suiza. Estudió fotografía y artes gráficas en la École des Arts et Métiers de Vevey (Suiza). De 1961 a 1964 fotografió a los italianos, considerándolos protagonistas de un pequeño "mundo teatral", con el objetivo de captar el espíritu de una nación. Bruno Barbey comenzó su relación con Magnum Photos en 1964. Fue vicepresidente de Magnum para Europa en 1978/1979 y presidente de Magnum International de 1992 a 1995. A lo largo de cinco décadas, Bruno Barbey ha trabajado en los cinco continentes y ha cubierto guerras y conflictos en Nigeria, Vietnam, Oriente Medio, Bangladesh, Camboya, Irlanda del Norte, Irak y Kuwait. Su trabajo ha aparecido en las principales revistas del mundo y ha publicado más de 30 libros. En 1999, el Petit Palais de París organizó una gran exposición individual de fotografías que Bruno Barbey había realizado en Marruecos a lo largo de tres décadas. En 2015/2016, La Maison Européenne de la Photographie, París, presentó su exposición retrospectiva que actualmente circula a nivel internacional. Publicó simultáneamente su libro retrospectivo Passages. Ha recibido numerosos premios por su obra, entre ellos la Orden Nacional del Mérito de Francia. Sus fotografías se exponen en todo el mundo y figuran en numerosas colecciones de museos. En 2016, Bruno Barbey fue nombrado miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes, Instituto de Francia. Bruno Barbey murió el 9 de noviembre de 2020

Olivia Arthur es conocida por su fotografía en profundidad que examina a las personas y sus identidades personales y culturales. Gran parte de su trabajo ha iluminado la vida cotidiana de las mujeres que viven en países tan variados como Arabia Saudí, India y toda Europa. Un enfoque más reciente en el retrato de gran formato ha traído su trabajo de vuelta al Reino Unido. "Para mí, parte del poder de la fotografía fija es la ambigüedad de las imágenes, la capacidad de dar una pista sobre una escena o acontecimiento sin ser demasiado absoluta", dice Arthur sobre su trabajo. Arthur nació en Londres y creció en el Reino Unido. Estudió matemáticas en la Universidad de Oxford y fotoperiodismo en el London College of Printing. Comenzó a trabajar como fotógrafa en 2003, tras mudarse a Delhi, y estuvo radicada en la India durante dos años y medio. En 2006 se marchó a Italia para realizar una residencia de un año con Fabrica, durante la cual empezó a trabajar en una serie sobre las mujeres y las diferencias culturales. La representación y el modo en que nos vemos a nosotros mismos son también áreas de interés para Arthur. Exploró estos temas en su proyecto In Private/Mumbai (2016-2018) sobre la sexualidad en la India y a través de su encargo "Portrait of a City" sobre los jóvenes para Hull, City of Culture (2017). El trabajo de Arthur se ha mostrado en publicaciones como The New Yorker, Vogue y la revista TIME, entre otras, y entre sus clientes comerciales seleccionados se encuentran British Airways, Capeb y BNP Paribas. Ha recibido el apoyo del Premio Inge Morath, el Museo Nacional de Medios de Comunicación y el Premio OjodePez-PhotoEspana de Valores Humanos. En 2010, cofundó Fishbar, una editorial y espacio para la fotografía en Londres, con Philipp Ebeling. Arthur sigue regresando a la India y trabajando en Londres, donde vive. Arthur se convirtió en miembro de pleno derecho de Magnum Photos en 2013.

Hijo de diplomáticos, Miguel Rio Branco pasó su infancia en Portugal, Suiza, Brasil y Estados Unidos. Ha sido pintor, fotógrafo y cineasta en varias ocasiones. Su primera exposición de pintura tuvo lugar en Berna en 1974, cuando vivía en Suiza. Dos años más tarde se trasladó a Nueva York, donde se licenció en Bellas Artes, siguió pintando y realizó un curso profesional de un mes en el Instituto de Fotografía de Nueva York. En 1978, continuó sus estudios en Río de Janeiro, en la Escola Superior de Desenho Industrial, antes de lanzarse a la carrera de fotografía y cine. Rio Branco era fotógrafo independiente y director de fotografía para películas cuando se embarcó en la fotografía documental y pronto se hizo notar por la calidad dramática de su trabajo en color. En 1980 se asoció a Magnum Photos. Fascinado por los lugares de fuerte contraste, por el poder de los colores y la luz tropicales, hizo de Brasil su principal zona de exploración. En 1985, publicó Dulce Sudor Amargo, un libro en el que trazaba un paralelismo entre el lado sensual y vital de Salvador de Bahía y el lado histórico de la ciudad, que, en aquella época (1979), estaba habitada por prostitutas y elementos marginales de la sociedad. Es un ensayo sobre la vida y la muerte, sobre las cicatrices que dejan el tiempo y la vida. La fascinación del fotógrafo por estos lugares de fuertes contrastes reside esencialmente en la fuerza de los colores y la luz tropicales, que transmite mediante su sensibilidad pictórica. La obsesión de Rio Branco por el poder material de las imágenes continuó con Nakta en 1996, un libro que explora el tema del bestiario en el hombre y el animal, y que marcó un alejamiento del enfoque documental. Le siguió un proyecto visual y poético alimentado por un feliz encuentro con el poema Nuit Close de Louis Calaferte, una colaboración que ganó el Prix du Livre Photo en Arles. Silent Book, publicado en 1997, presenta cuadros de cuerpos y espacios afectados por el tiempo; la decrepitud es magnificada por la luz, y la carne herida, el envejecimiento y la muerte acechan la obra a través de colores terrosos y rojo sangre. Su libro Entre os Olhos o Deserto demuestra una evolución hacia una forma híbrida utilizando imágenes de fotografía y vídeo extraídas de las películas experimentales de Rio Branco. Del mismo modo, sus exposiciones funcionan como instalaciones, un concepto que es crucial para su trabajo, de modo que -sin descuidar la importancia de la imagen individual- crear un d

Khalik Allah es un fotógrafo y cineasta afincado en Nueva York que practica el Ministerio de la Cámara con un ojo tan abierto como su corazón. El trabajo resultante se ha descrito como "ópera callejera" y destaca por su humanidad bellamente visceral. Tras una serie de cortometrajes que reflejan las relaciones formadas a través del retrato, Allah avanzó en su arte con el largometraje documental Field Niggas (2015), rodado por la noche en la esquina de la calle 125 de Harlem con la avenida Lexington. Esta esquina también sirvió de base para su primer libro de fotografía Souls Against the Concrete, publicado por University of Texas Press en 2017. Alá continuó con Black Mother (2018), una expresión extática de reverencia y realidades a través de Jamaica. Esta galardonada película se ha visto en festivales, museos y escuelas de todo el mundo; además, se ha estrenado en el Reino Unido y Estados Unidos a través de los distribuidores Dogwoof y Grasshopper Film. Las películas de Allah están disponibles en el Criterion Channel. Actualmente, Khalik está trabajando en su segundo libro de fotos de la 125 y Lexington. Khalik se convirtió en miembro de Magnum Nominee en 2020.

Ian Berry nació en Lancashire, Inglaterra. Se dio a conocer en Sudáfrica, donde trabajó para el Daily Mail y posteriormente para la revista Drum. Fue el único fotógrafo que documentó la masacre de Sharpeville en 1960, y sus fotografías se utilizaron en el juicio para demostrar la inocencia de las víctimas. Henri Cartier-Bresson invitó a Ian Berry a unirse a Magnum en 1962, cuando tenía su sede en París. En 1964 se trasladó a Londres para convertirse en el primer fotógrafo contratado por la revista Observer. Desde entonces, los encargos le han llevado por todo el mundo: ha documentado la invasión rusa de Checoslovaquia; los conflictos en Israel, Irlanda, Vietnam y el Congo; la hambruna en Etiopía; el apartheid en Sudáfrica. La mayor parte de su trabajo en Sudáfrica está representada en dos de sus libros: Black and Whites: L'Afrique du Sud (con prólogo del entonces presidente francés François Mitterrand), y Living Apart (1996). Durante el último año, sus proyectos han incluido la esclavitud infantil en Ghana y la industria pesquera española. Entre los trabajos editoriales más importantes figuran los realizados para National Geographic, Fortune, Stern, Geo, las revistas dominicales nacionales, Esquire, Paris-Match y LIFE. Ian Berry también ha informado sobre las transformaciones políticas y sociales en China y la antigua URSS.

Eve Arnold nació en Filadelfia, Pensilvania, de padres inmigrantes rusos. Comenzó a fotografiar en 1946, mientras trabajaba en una planta de acabado fotográfico en la ciudad de Nueva York, y luego estudió fotografía en 1948 con Alexei Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York. Arnold se asoció por primera vez a Magnum Photos en 1951 y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1957. Durante la década de 1950 residió en Estados Unidos, pero en 1962 se trasladó a Inglaterra para escolarizar a su hijo; salvo un intervalo de seis años en el que trabajó en Estados Unidos y China, vivió en el Reino Unido el resto de su vida. Su estancia en China la llevó a su primera gran exposición individual en el Museo de Brooklyn en 1980, donde mostró las imágenes resultantes. Ese mismo año recibió el National Book Award por In China y el Lifetime Achievement Award de la American Society of Magazine Photographers. En años posteriores, recibió muchos otros honores y premios. En 1995, fue nombrada miembro de la Royal Photographic Society y elegida Maestra Fotógrafa -el honor fotográfico más prestigioso del mundo- por el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York. En 1996, recibió el premio Kraszna-Krausz Book Award por In Retrospect. Al año siguiente, la Universidad de St Andrews, la Universidad de Staffordshire y la Universidad Internacional Americana de Londres le concedieron títulos honoríficos; también fue nombrada miembro del comité asesor del Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión de Bradford (Reino Unido). Ha publicado doce libros. Eve falleció en enero de 2012.

Enri Canaj nació en Tirana, Albania, en 1980. Pasó allí su primera infancia y se trasladó con su familia a Grecia en 1991, inmediatamente después de la apertura de las fronteras. Reside en Atenas y cubre reportajes en Grecia y los Balcanes. Estudió fotografía en la Academia Leica de Atenas. En 2007 participó en un proyecto del British Council sobre migración, asistiendo a un taller de un año de duración con el fotógrafo de Magnum Nikos Economopoulos. Desde 2008, ha sido fotógrafo freelance para importantes publicaciones como Time Lightbox, CNN Photo, New York Magazine, MSNBC Photography, Wall street journal, Courrier international, Vice Magazine, The Financial Times, Newsweek, Paris Match, Le monde Diplomatique, muestra de su trabajo ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Tesalónica exposición personal, Festival HANOVER LUMIX, Festival de Arles, Museo Benaki de Atenas, Museo de Fotografía de Tesalónica, Centro BOZAR de Bellas Artes, Fundación Cultural del Banco Nacional de Grecia en Atenas, en el Bilgi Santral de Estambul, en el Parlamento Europeo de Bruselas y en el Festival de Fotografía de Atenas, Festival de Fotografía de Nueva Delhi.

Christopher Anderson es conocido por sus imágenes cargadas de emoción y artísticamente dibujadas que exploran temas de verdad y subjetividad. Es uno de los fotógrafos más influyentes de la actualidad, cuyos orígenes comenzaron en el reportaje de guerra y luego se transformaron en algo más íntimo, mezclando los mundos del trabajo comercial, artístico y de la moda, pero siempre con una base documental. Anderson nació en 1970 en Canadá y creció en el oeste de Texas. Su carrera fotográfica comenzó trabajando para periódicos locales. En el año 2000, en una misión para el New York Times Magazine, se embarcó en un pequeño bote de madera con 44 haitianos que intentaban navegar hacia América. El barco se hundió en el Caribe. Las fotografías recibieron la Medalla de Oro Robert Capa y marcaron el inicio de un período de diez años como fotógrafo contratado por la revista Newsweek y la revista National Geographic. En 2011 se convirtió en el primer fotógrafo residente de la revista New York Magazine; una notable colaboración que también marcaría el cambio de Anderson hacia el retrato y la moda, realizando imágenes de figuras significativas como Barack Obama, Spike Lee y Debby Harry. En 2008, tras el nacimiento de su primer hijo, Anderson se alejó del trabajo periodístico en revistas para dedicarse a temas más inmediatos a su experiencia personal. En 2012, se publicó su libro SON, que definió una dirección visual que ha llegado a caracterizar su obra. Otros proyectos creados dentro de este enfoque intensamente íntimo son Capitolio, Stump y Approximate JOY.